Hasta ahora hemos estado viendo en qué consiste un storyboard, y cómo ha evolucionado hasta llegar a las videomáticas y animáticas que se utilizan actualmente (¡por los que pueden, claro!). En este último post sobre las previsualizaciones, quiero comentar algunas cuestiones sobre su uso que me quedaron pendientes, haciendo especial hincapié en la relación entre ellas y el Director.

En primer lugar me gustaría volver a nuestra infancia (si no la vuestra, sí la mía): Yo era un niño con mucha imaginación, y me encantaba jugar sólo con mis robots e inventarme historias y peleas entre ellos. Recuerdo perfectamente que a pesar de desconocer por completo las técnicas narrativas, ya aplicaba algunas de ellas de forma subconsciente, como por ejemplo el “revés” en el clímax, o sea el momento en el que el protagonista parece haber sucumbido para reaparecer cual ave fénix para dar el golpe mortal (vamos que mi robot bueno yacía en el suelo y de pronto se “despertaba” y le daba un buen golpe al robot malo, ganando la pelea), o el desequilibrio de fuerzas entre protagonista y antagonista (a favor de este), para que exista tensión dramática (mi robot bueno siempre era el más pequeño y endeble de los que tenía en cada momento, y luchaba contra los más grandes que había en mi arsenal robotil).

^{Mazinger Z…¡eso sí que era un robot!}

Os preguntaréis qué demonios tiene que ver todo eso con el tema que nos ocupa. Leer más…

Como ya vimos en el post anterior, no es oro todo lo que reluce en el mundo de los storyboards. Al no ser capaces de transmitir la sensación de movimiento, no son un método efectivo para visualizar muchas secuencias de acción.

Como consecuencia de esas carencias, las técnicas de previsualización han sido desarrolladas a lo largo de los años. En esta segunda parte del post vamos a centrarnos en la persona que probablemente más ha aportado a ese campo: George Lucas.

^{George Lucas es el de gafas.}

Lucas siempre ha sido un pionero en cuanto a la tecnología cinematográfica se refiere, cosa que es de admirar (independientemente de lo que luego haya conseguido con ella en sus filmes…). La empresa que creó, Industrial Light and Magic, tiene 14 Oscars y es responsable de incontables nuevos efectos visuales (acordaros del morphing para Terminator 2…¡¡que levante la mano al que no le dejara boquiabierto!!)

¿Pero cual ha sido el recorrido de Lucas en el campo de la previsualización? ¿Cómo han ido evolucionando las técnicas hasta lo que tenemos hoy en día?

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Si Hitchcock levantara la cabeza y viera los sistemas de previsualización que hay hoy en día…sería feliz.

^{te echamos de menos, maestro…}

De todo el proceso de producción de sus pelis, lo que a Sir Alfred menos le gustaba era el rodaje. En efecto, hacía una preproducción tan exhaustiva, que luego rodarlo era un mero trámite para él, puesto que sabía exactamente cómo iba a ser el resultado. Y para ello usaba una herramienta que nos ayuda mucho a los directores, la previsualización.

En esa época, la técnica más usada era el Storyboard. Hoy en día sigue siendo también la más difundida, pero no la única, como veremos más adelante.

En este post y en el siguiente vamos a dar un repaso por todas estas técnicas, viendo para qué utilizarlas y los pros y los contras que tienen cada una.

Lo primero que tenemos que preguntarnos es ¿en qué consiste la previsualización de una película?

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Por lo visto no expliqué suficientemente bien en clase la teoría del Iceberg.

^{Dedicado a James Cameron}

Ayer estuve analizando los guiones literarios de los segundos cortos de los alumnos del postgrado de cine del CEU. Anteriormente habíamos ya analizado la idea argumental (de hecho les digo que me traigan varias, y así seleccionamos la que tiene mayor potencial) y también habíamos definido la evolución narrativa de cada estructura.

Y por fin ayer leíamos las primeras versiones de los guiones literarios. La finalidad pedagógica de estos segundos cortos es la narración a través de la dirección de actores y de los diálogos (no como sus primeros cortos que rodaron hace unas semanas, que consistían en manejar la narración visual sin recurrir a diálogos).

Pues bien, a pesar del trabajo previo que habíamos hecho con cada corto, que nos permitió tener ideas muy jugosas, aparecieron de nuevo los mismos errores que frecuentemente suelo ver en los primeros borradores de los guiones que leo cada año (que son unos cuantos…): Los diálogos no son capaces de reflejar la personalidad y la actitud de los personajes. De hecho, hay veces que uno debe fijarse de nuevo en quién a dicho qué, por que se podría permutar algunas frases de los personajes sin que hubiera ningún cambio en la historia. No es únicamente que los personajes no tengan personalidad propia, sino que a veces ni siquiera están suficientemente contrastados entre ellos como para que el lector siga con claridad la trama.

Sin embargo este problema tan títpico en un cortometraje no suele darse en los primeros borradores de un guión de largometraje, donde los personajes suelen estar mejor definidos desde su primera secuencia. Y me paré a reflexionar por qué.

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Estoy preocupado.

Últimamente estoy notando que la sociedad está obligando a los Realizadores a alterar el uso del lenguaje cinematográfico. Es cómo si los Directores ya no fueran libres para contar la historia del modo que quieran. Ya no hay libre albedrío, sino más bien una esclavitud encubierta al público. Me explico:

Vivimos en un mundo que nos obliga a ir a toda velocidad. Estamos acosados por toneladas de información que nos rodea y tenemos que asimilarla si queremos sobrevivir en esta sociedad.

Por eso nuestro cerebro es hoy en día capaz de comprender los datos mucho más rápidamente que hace décadas, y eso tiene unas consecuencias muy evidentes en la forma en la que los realizadores narran sus historias, y más concretamente, en el ritmo del montaje.

No hay más que ver la velocidad a la que hacemos zaping actualmente, y la frase que nos sueltan nuestros mayores cuando lo hacemos: “¿Cómo eres capaz de ver lo que echan? ¡Si no da tiempo a verlo!”

_{con este gesto empezó todo…}

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En todos los ámbitos existen líderes de opinión expertos en la materia que nos sirven de guiá. Y el mundo del guión no podía ser menos. Muchos son los “gurús” que han establecido diferentes tipos de acercamientos a la narración. De entre ellos, uno de los que más destaca es Syd Field.

_{la foto oficial}

En general, estoy muy de acuerdo con su acercamiento estructuralista ( diría más bien que con quién habría que estar de acuerdo es con Aristóteles, el padre de todo este asunto). Sin embargo, hay algo con lo que no puedo estar más en desacuerdo: Su famoso Mid-point.

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El segundo avance tecnológico que ha variado la forma de hacer las cosas es la aparición del vídeo en lugar del celuloide (ya sea SD, HD, en cinta, disco duro, o estado sólido). Desde el momento en que el Director de cortos ( al de largos todo esto le da igual…¡como hay dinero!) sabe que tiene una capacidad ilimitada para tirar tomas, simplemente cambiando la cinta o borrando las tomas malas del disco duro, se produce en él una cierta transfomación. Y esta afecta al rodaje de varias formas:

_{Arriba, chásis de 35mm. Abajo, almacenamiento de estado sólido de Panavision sobre la F-23 de Sony (HD) P.D. Nótese cómo se lo han colocado arriba, como si fuera un chásis de 35mm, para tener contentos a los de cine, jejeje….}

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No hay duda de que los avances tecnológicos nos permiten hacer mejores producciones y poder plasmar aquello que tenemos en la cabeza como directores.

Por ejemplo con el etalonaje digital se pueden conseguir mundos tan fantásticos como los del Señor de los anillos,

_{la Dama Galadriel antes y después de obtener sus poderes}

y con la SpiderCam se hizo posible recrear el balanceo de Spiderman.

Sin embargo, algunos avances técnológicos traen consigue un cambio en la manera de hacer las cosas que puede tener consecuencias negativas incluso en la narración. Dos ejemplos traigo a colación: El paso de la moviola al sistema de edición no lineal, y el rodaje en otros formatos que no sean el celuloide que veremos en el siguiente post.

_{si coloco esto en mi casa me tengo que salir yo}

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Como cada día, al comienzo de mis clases siempre pregunto a los alumnos qué película han visto desde la última vez que nos vimos. Hace unos días Julio, un chico del Postgrado de cine del CEU, me comentó que vió Beowulf, que como ya sabéis yo tembién ví.

Le comenté mi impresiones positivas sobre la película, a lo que él puso muy mala cara y no dejó títere con cabeza. Que no veía más “que piedras” y “puntas de lanza“, me decía.

_{aquí está la famosa lanza}

Yo no entendía nada, hasta que me dijo que la había visto en 3D ( como sabéis, esta película se proyecta tanto en 2D como en 3D), al contrario que yo que la tuve que ver en 2D una pantalla convencional (el 3D es la proyección que permite percibir la tercera dimensión, por lo que el espectador debe llevar unas gafas polarizadas).

_{del manual “háztelo tu mismo”}

Yo le hablé de la pofundidad emocional del Antagonista (el monstruo) y de las motivaciones de los personajes, y él me contestaba que no se había enterado absolutamente de nada de eso. Que los árboles no le habían dejado ver el bosque. Vamos, que no hacía más que fijarse en los efectos creados por la tercera dimensión, que le impidieron disfrutar del drama de la narración. En ese momento se me ocurrió escribir este post.

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Cuando leí mis primeros libros de guión, había una cosa que me volvía completamente loco: Lo que algunos autores llamaban la escena, para otros era la secuencia. Me costó cierto tiempo dilucidar el problema, pero al fin di con la solución.

Pero primero, definamos los términos:

Aquello que se denominaba escena o secuencia, según para quién ( sobre todo según el país de origen del autor….como luego veremos…), consistía en toda la acción ( y los diálogos) que transcurren en un mismo lugar en mismo tiempo. O sea que si la acción de pronto se desarrolla en otro sitio, o bien en otro momento ( elipsis o flashback), se empezaría otra “escena/secuencia“.

Recurramos ahora al mundo anglosajón: Ellos definen la unidad de acción en tiempo y lugar como “Scene” ( léase en inglés, británico o americano…ahí ya me da igual!), y llaman “Sequence” a un conjunto de “Scenes” que tienen una unión narrativa o dramática ( La “Sequence” del atraco al banco, que consta de varias “Scenes“: La de la fachada del banco cuando desembarcan los ladrones, la del hall del banco, la de la caja fuerte, la del despacho del director, etc…)

_{soy un hacha con el diseño gráfico…}

Pues bien, hasta ahora todo claro, no? Compliquemos un poco las cosas……

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