Estos días he estado impartiendo un taller de técnicas de creatividad y generación de ideas, y siempre sale a la palestra el mismo asunto: todos los guionistas quieren que el final de su corto sea sorprendente, y a ser posible ingenioso e impactante. Esto quizá sea debido al ego de los guionistas, que nos sentimos tan todopoderosos que intentamos mostrar la luz al final del camino al espectador, cual ilusionista cualquiera. A mi, la verdad, cada vez hay menos finales de cortos que me sorprendan. Quizá sea por que me pase todo el año analizando guiones y sacándoles toda la punta que me permiten mi imaginación y mis conocimientos, y siempre intento anticiparme a los acontecimientos (muy buen ejercicio para mantener viva la imaginación, pero muy poco recomendable si uno quiere disfrutar de la narración…).

Por ello, el post de hoy va dedicado a todos aquellos guionistas cuyos guiones leeré algún día, para que consigan, si aún lo desean, que me siga sorprendiendo al leer sus finales.

^{así me gustaría quedarme al leer algunos guiones}

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Por lo visto no expliqué suficientemente bien en clase la teoría del Iceberg.

^{Dedicado a James Cameron}

Ayer estuve analizando los guiones literarios de los segundos cortos de los alumnos del postgrado de cine del CEU. Anteriormente habíamos ya analizado la idea argumental (de hecho les digo que me traigan varias, y así seleccionamos la que tiene mayor potencial) y también habíamos definido la evolución narrativa de cada estructura.

Y por fin ayer leíamos las primeras versiones de los guiones literarios. La finalidad pedagógica de estos segundos cortos es la narración a través de la dirección de actores y de los diálogos (no como sus primeros cortos que rodaron hace unas semanas, que consistían en manejar la narración visual sin recurrir a diálogos).

Pues bien, a pesar del trabajo previo que habíamos hecho con cada corto, que nos permitió tener ideas muy jugosas, aparecieron de nuevo los mismos errores que frecuentemente suelo ver en los primeros borradores de los guiones que leo cada año (que son unos cuantos…): Los diálogos no son capaces de reflejar la personalidad y la actitud de los personajes. De hecho, hay veces que uno debe fijarse de nuevo en quién a dicho qué, por que se podría permutar algunas frases de los personajes sin que hubiera ningún cambio en la historia. No es únicamente que los personajes no tengan personalidad propia, sino que a veces ni siquiera están suficientemente contrastados entre ellos como para que el lector siga con claridad la trama.

Sin embargo este problema tan títpico en un cortometraje no suele darse en los primeros borradores de un guión de largometraje, donde los personajes suelen estar mejor definidos desde su primera secuencia. Y me paré a reflexionar por qué.

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Cuando leí mis primeros libros de guión, había una cosa que me volvía completamente loco: Lo que algunos autores llamaban la escena, para otros era la secuencia. Me costó cierto tiempo dilucidar el problema, pero al fin di con la solución.

Pero primero, definamos los términos:

Aquello que se denominaba escena o secuencia, según para quién ( sobre todo según el país de origen del autor….como luego veremos…), consistía en toda la acción ( y los diálogos) que transcurren en un mismo lugar en mismo tiempo. O sea que si la acción de pronto se desarrolla en otro sitio, o bien en otro momento ( elipsis o flashback), se empezaría otra “escena/secuencia“.

Recurramos ahora al mundo anglosajón: Ellos definen la unidad de acción en tiempo y lugar como “Scene” ( léase en inglés, británico o americano…ahí ya me da igual!), y llaman “Sequence” a un conjunto de “Scenes” que tienen una unión narrativa o dramática ( La “Sequence” del atraco al banco, que consta de varias “Scenes“: La de la fachada del banco cuando desembarcan los ladrones, la del hall del banco, la de la caja fuerte, la del despacho del director, etc…)

_{soy un hacha con el diseño gráfico…}

Pues bien, hasta ahora todo claro, no? Compliquemos un poco las cosas……

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